Nos últimos anos, temos testemunhado uma reconsideração do lugar da pesquisa artística, das práticas artísticas e dos processos educativos formais e informais que as acompanham na América Latina e no Caribe. Essa reconsideração traz consigo três demandas que definem o estado atual da produção de conhecimento nas/das artes: 1) Não é mais possível definir "Arte" segundo critérios heteropatriarcais, eurocêntricos e coloniais que excluem práticas produzidas fora dos limites traçados por tal definição. É necessário abordar o desafio político de desenvolver definições de práticas artísticas e educativas — tanto dentro quanto fora do ambiente universitário — que deem visibilidade a modos historicamente excluídos de produção de conhecimento. Isso nos leva a considerar as produções artísticas como formas interseccionais de produção transversal de conhecimento; 2) essa reconsideração implica uma reformulação dos modelos metodológicos e epistemológicos de produção de conhecimento que, em nosso contexto neoliberal e globalizante, estabelecem critérios de eficácia e eficiência tecnocrática como verdade absoluta. Não se trata de afirmar a necessidade de uma epistemologia das artes que as situe na esfera normalizada da produção de conhecimento, mas sim de estabelecer uma heurística do conhecimento que fomente a investigação de temas universais, porém situados, a partir das artes e com as artes. Isso implica uma forma particular de produção de conhecimento, na qual as artes constituem uma esfera privilegiada para pensar e produzir alternativas não hegemônicas ao modo tradicional de produção de conhecimento; 3) É necessário reinserir as práticas artísticas e de pesquisa nas artes como perspectivas situadas em relação aos desenvolvimentos tecnocráticos, levando em consideração as heterogeneidades que moldam o que chamamos de culturas (entendidas como espaços de conflito e tensão insolúveis, ou seja, como espaços políticos). Isso implica tomar uma posição contra as estruturas de dominação, posicionando as práticas artísticas e de educação artística como experiências únicas de construção política.

Para além da longa tradição de formação artística da nossa região, o estatuto da arte como meio de produção de conhecimento não tem sido investigado em si mesmo. O seu papel tem sido o de acompanhamento circunstancial de outras formas de produção de conhecimento, que encontraram nela um modo de ilustração ou representação que não constitui conhecimento específico. Daí a necessidade de as investigar hoje como práticas de conhecimento que não podem ser submetidas aos reducionismos epistemológicos das ciências e tecnologias, e que nos permitam considerar a natureza política de tais epistemologias, exigindo-nos que pensemos em alternativas que articulem as características únicas da investigação nas artes. Nesse sentido, concordamos com Carlos Paiva que "a existência da arte e do ensino artístico na universidade, resultado do peso que adquirem no tecido social desta controversa contemporaneidade, bem como do valor social e político que emana da atividade artística, e da preciosa presença da eminência educativa do artístico, declaram a indispensabilidade de sua presença na possibilidade de se projetar o futuro, assim como a urgência de se esclarecer as novas figuras de reconhecimento da pesquisa que integra esse campo, sem medo do caos, sem medo da desordem e do acaso, sem medo da capacidade humana de buscar outros limites".

A educação artística desafia uma abordagem rígida, hierárquica e utilitarista da aprendizagem, propondo, em vez disso, uma visão da educação como um esforço compartilhado, multidirecional e situado. Essa abordagem fomenta o surgimento de novas linguagens, novas formas de pensar, imaginar e moldar o futuro. É uma educação para a prática da interculturalidade, onde outras epistemologias, outras formas de conhecimento e outras maneiras de ser e compreender o mundo entram em jogo. Em suma, a educação artística e a criação artística são vistas como ações emancipatórias e políticas.

É por tudo isso que nos perguntamos:

Que tipo de conhecimento constitui as práticas artísticas? Em que sentido a produção desse conhecimento implica um questionamento das epistemologias e exige a construção de uma heurística interseccional do conhecimento? Como podemos fomentar conexões políticas horizontais, não hierárquicas e transversais, baseadas na relação entre educação e artes? Como podemos desenvolver critérios de avaliação que levem em conta a natureza transversal da pesquisa em artes? Que tipo de avaliação é necessária para apoiar os processos transversais da produção artística? Como podemos desenvolver nossos próprios critérios para credenciar a produção de conhecimento? De que maneiras e em que medida as artes são uma forma de troca de conhecimento?

A proposta deste Grupo de Trabalho baseia-se no trabalho desenvolvido durante o período de 2019-2022 pelo Grupo de Trabalho de Artes, Educação e Cidadania, com o objetivo de dar continuidade ao trabalho coletivo realizado nos últimos anos. Ao mesmo tempo, propõe desenvolver uma colaboração sistemática com outros Grupos de Trabalho e Centros Membros da CLACSO, bem como com indivíduos, coletivos, organizações sociais, instituições e comunidades da região, integrando contribuições das ciências, das artes e da educação voltadas para a pesquisa e a produção transversal de conhecimento situado. Central a esta abordagem é também a tarefa de identificar, promover, apoiar e fortalecer processos de advocacy em políticas públicas e/ou esferas relacionadas à avaliação e ao reconhecimento das artes nos contextos mencionados.

Como ponto de partida, reafirmamos os princípios estabelecidos na Declaração de Buenos Aires (2018) e na Declaração de Chuquipata (2019), promovidas pelos departamentos de artes das universidades da região, referentes à necessidade de garantir o direito humano ao conhecimento. Para tanto, “é fundamental reconhecer o papel estratégico das artes e da cultura na produção de conhecimento com compromisso social, na luta pela soberania cultural, pelo desenvolvimento sustentável e pela integração pluricultural das regiões”. Acrescentamos ainda o que se estabelece no Manifesto de Guayaquil (2019): “é essencial gerar marcos específicos para legitimar e avaliar os processos de ensino, aprendizagem e pesquisa nas artes”.

Dessa forma, propomos fortalecer nossa rede, promovendo uma agenda em nível regional e internacional sobre as implicações da interseccionalidade e da transversalidade nas artes.

A pesquisa em artes tornou-se um campo de possibilidades para explorar análises comparativas e modelos alternativos de pesquisa que atualizam as interseções entre percepção, afeto e pensamento. Constitui um território em expansão, simultaneamente itinerante e errático, uma vez que deriva de perspectivas e linguagens muito diversas e, precisamente por essa razão, pode erodir as fronteiras entre campos de conhecimento cristalizados e institucionalizados. As articulações entre as artes na educação e a educação artística desafiam um tipo de aprendizagem rígido, vertical e utilitarista, propondo, em vez disso, um conceito de educação como uma ação compartilhada, multidirecional e situada. A educação, concebida como uma prática para a liberdade (Freire), abre o campo para outras formas de conhecimento e outras subjetividades; a educação artística e a criação artística tornam-se ações emancipatórias e políticas.

As transformações pelas quais as instituições universitárias estão passando no que diz respeito ao registro das práticas artísticas, educacionais e de pesquisa em arte exigem a formulação de mecanismos de avaliação específicos que, ao mesmo tempo, garantam sua inclusão nas práticas educacionais e de pesquisa (tanto na graduação quanto na pós-graduação) e permitam o acompanhamento das conquistas alcançadas por essas heurísticas não regulamentadas por modelos tecnocráticos.

Podemos identificar, de forma geral, duas posições em debate na região: por um lado, uma crítica ao crescente controle sobre a produção de conhecimento — em termos de mecanismos e padrões de acreditação e avaliação — que impõem seus marcos metodológicos e critérios de avaliação à pesquisa artística, diminuindo seu potencial crítico; e, por outro, uma concepção que coloca formas emergentes de arte contemporânea, como a performatividade, a imaterialidade e a criatividade, no epicentro das transformações socioeconômicas da sociedade do conhecimento. Para ambas, o papel das universidades e instituições de arte deve ser examinado à luz do impacto da produção artística na economia do conhecimento.

A primeira posição descreve o papel fundamental que as instituições acadêmicas adquirem no crescente processo de mercantilização do conhecimento: na transição de uma concepção de valor como objetificação do trabalho material para a ideia de inovação e conhecimento como "matéria-prima" imaterial para a criação de valor na nova fase do capital. A produção artística, tradicionalmente situada à margem das instituições acadêmicas e nos antípodas do modelo científico, permaneceria um espaço de liberdade e resistência. Sua inclusão na dinâmica dos modelos institucionais de pesquisa levaria, segundo essa posição, ao esgotamento do potencial criativo da arte: seu poder de transgredir e romper com a norma.

A segunda posição, em nossa visão, apresenta o problema de uma maneira mais complexa e dialética. Envolve, antes de tudo, considerar as implicações da arte — dos regimes estéticos que a validam e das práticas em que se desenvolve — nos processos econômicos e sociais. Envolve questionar o discurso que, ao se posicionar como guardião de uma suposta pureza crítica da obra, apenas valida o modelo ideológico que aprofunda sua inutilidade e marginalidade social. Envolve postular a imbricação da arte com suas condições materiais de existência, uma vez que, como aponta Benjamin (2007), não há documento de cultura que não seja também um documento de barbárie.

Todas essas questões se apresentam como grandes desafios no horizonte da nossa prática profissional como professores, pesquisadores e membros da comunidade universitária. De fato, o ensino superior e a pesquisa artística devem gerar estratégias para resistir ao avanço de um projeto universitário submetido às exigências da Organização Mundial do Comércio (OMC). Reafirmar a autonomia como um direito e uma condição necessária para o trabalho acadêmico (e artístico) realizado livremente implica compreender que a autonomia é a condição para o engajamento crítico do conhecimento com os contextos sociais e culturais aos quais pertence (Torlucci, 2018).

Num contexto internacional que apresenta uma mudança radical na sua matriz produtiva, que deslocou o centro da valorização económica para a esfera da produção de conhecimento, o estudo e a discussão das artes na educação e a sua contribuição para a construção de um conhecimento transversal que destrone os modelos utilitaristas neoliberais constituem uma área relevante para problematizar questões-chave para o futuro dos nossos países e do continente.

Este GT faz parte de uma corrente de pensamento que revaloriza as artes como forma de produção, pesquisa e aprimoramento do conhecimento transversal, questionando o paradigma logocêntrico sobre o qual foram forjadas nossas instituições de ensino, especialmente as universidades.

Nesse sentido, propomos que o conhecimento não é meramente a produção de um discurso que se pretende verdadeiro (segundo os princípios da eficácia, da eficiência e da performatividade capitalista – Rolnik, Guattari), mas implica, antes, uma diáspora de ações (discursivas e não discursivas) na qual uma cultura reconhece suas divergências. Não se trata de reduzir as diferenças a um terreno comum, mas de manter suas tensões para a produção de uma comunidade política que garanta a disparidade de interesses que a compõem. Esse campo de tensões nos apresenta o desafio de repensar os modos de produção, reconhecimento, avaliação, validação e credenciamento das práticas artísticas de maneira situada, sendo as próprias práticas suscetíveis a novas transformações. Essa abordagem nos permite considerar novas tradições — que o pensamento ocidental negligenciou em sua compreensão da arte — como parte de um saber comunitário e politicamente participativo, expresso por meio de imagens, sons, práticas culturais populares e modos de vida não hegemônicos de grupos minoritários e/ou marginalizados — jovens, crianças, coletivos de gênero, povos indígenas — que constroem um saber que as epistemologias hegemônicas não conseguem contemplar. Assim, a validação desse saber transversal e interseccional não pode se basear em critérios quantitativos, mas sim em métodos que considerem o significado político de suas elaborações.

Nesse sentido, acreditamos que as artes devem ser avaliadas de forma situada, considerando as transformações políticas que propõem em suas maneiras de repensar os laços comunitários, a fim de confrontar as formas em evolução do capitalismo cognitivo e de plataforma que moldam o mercado de arte. Isso deve ser feito sem recair em discursos autonomistas que tratam a arte como uma esfera autossuficiente, desconectada da experiência vivida. Em outras palavras, um modo de avaliação situado pode revelar simultaneamente o potencial crítico e político das práticas artísticas diante das formas tradicionais de valoração de mercado.

Uma heurística das práticas artísticas e educativas pretende apresentar-se como uma alternativa interseccional à produção de conhecimento, que considera sua natureza coletiva, transversal, não heteronormativa e decolonial para a transformação econômica e social. A possibilidade de desenvolver uma nova comunidade estético-política (Rancière) pressupõe a elaboração de princípios que se tornam impossíveis pelas epistemologias que adotam modelos herdados de uma política do conhecimento cujo objetivo final é a produção de mais-valia e que continua a reproduzir as desigualdades econômicas, políticas e sociais que caracterizaram o século XX e se aprofundam no século XXI.